En del av glädjen i målningen under 2000-talet är det stora utbudet av tillgängliga uttrycksformer. I slutet av 1800- och 1900-talet såg konstnärer stora hopp i målningsstilar. Många av dessa innovationer påverkades av tekniska framsteg, såsom uppfinningen av metallfärgeröret och utvecklingen av fotografisamt förändringar i sociala konventioner, politik och filosofi, tillsammans med världshändelser.
Denna lista beskriver sju huvudsakliga stilar av konst (ibland kallad "skolor" eller "rörelser"), vissa mycket mer realistiska än andra. Även om du inte kommer att vara en del av den ursprungliga rörelsen - gruppen konstnärer som i allmänhet delade samma sak målningsstil och idéer under en viss tid i historien - du kan fortfarande måla i de stilar de använde. Genom att lära dig om dessa stilar och se vad konstnärer som arbetar i dem skapade och sedan experimentera med olika tillvägagångssätt själv kan du börja utveckla och vårda din egen stil.
Realism, där målningen ämnar ser ut som den verkliga snarare än att vara stiliserad eller abstraherad, är den stil som många tycker av som "sann konst." Först när det undersöks på nära håll avslöjar det som verkar vara solida färger som en serie penseldrag av många färger och värden.
Realismen har varit den dominerande målarstilen sedan renässans. Konstnären använder perspektiv för att skapa en illusion av rymden och djupet och ställer in kompositionen och belysningen så att motivet verkar verkligt. Leonardo da Vinci "Mona Lisa"är ett klassiskt exempel på stilen.
Painterly-stilen verkade som Industriell revolution svepte Europa under första hälften av 1800-talet. Befriad av uppfinningen av metallfärgeröret, som gjorde det möjligt för konstnärer att kliva utanför studion, och målare började fokusera på själva målningen. Ämnen gjordes realistiskt, men målare gjorde inga ansträngningar för att dölja sitt tekniska arbete.
Som namnet antyder ligger tonvikten på målningen: penselverkets karaktär och själva pigmenten. Konstnärer som arbetar i den här stilen försöker inte dölja vad som användes för att skapa målningen genom att jämna ut textur eller märken kvar i färgen med en borste eller annat verktyg, till exempel en palettkniv. Målningarna av Henri Matisse är utmärkta exempel på denna stil.
Impressionism uppstod på 1880-talet i Europa, där konstnärer som Claude Monet försökte fånga ljus, inte genom detaljens realism, utan med gest och illusion. Du behöver inte komma för nära Monets vattenliljor eller Vincent Van Goghs solrosor för att se de djärva färgerna, men det råder ingen tvekan om vad du tittar på.
Objekt behåller sitt realistiska utseende men har en livlig känsla för dem som är unik för den här stilen. Det är svårt att tro att när impressionisterna först visade sina verk, de flesta kritiker hatade och förlöjliga det. Det som då betraktades som en oavslutad och grov målningstil är nu älskad och vördad.
Expressionism och fauvism är liknande stilar som började dyka upp i studios och gallerier i början av 1900-talet. Båda kännetecknas av deras användning av djärva, orealistiska färger som valt att inte skildra livet som det är, utan snarare som det känns eller verkar för konstnären.
De två stilarna skiljer sig åt på vissa sätt. Expressionister, inklusive Edvard Munch, försökte förmedla grotesk och skräck i vardagen, ofta med hyper-stiliserat penselverk och hemska bilder, som han brukade ha stor effekt i sin målning "Skriket."
Trots sin nya färganvändning försökte fauvister att skapa kompositioner som skildrade livet i en idealiserad eller exotisk natur. Tänk på Henri Matisses frollande dansare eller George Braques pastorala scener.
När de första decennierna av 1900-talet utspelades i Europa och Amerika växte målningen mindre realistiskt. Abstraktion handlar om att måla essens i ett ämne när konstnären tolkar det, snarare än de synliga detaljerna. En målare kan reducera motivet till sina dominerande färger, former eller mönster, som Pablo Picasso gjorde med sitt berömda väggmålning av tre musiker. Artisterna, alla vassa linjer och vinklar, ser inte minst riktiga ut, men det är ingen tvekan om vem de är.
Eller kan en konstnär ta bort ämnet från sitt sammanhang eller förstora dess skala, som Georgia O'Keeffe gjorde i sitt arbete. Hennes blommor och skal, avdrivna för sina fina detaljer och flyter mot abstrakt bakgrund, kan likna drömmande landskap.
Rent abstrakt arbete, liksom mycket av den abstrakta expressionistiska rörelsen på 1950-talet, avskräcker aktivt realismen och uppmuntrar sig till det subjektiva omfamningen. Ämnet eller punkten för målningen är färgerna som används texturer i konstverket och materialen som används för att skapa det.
Jackson Pollocks droppmålningar kan se ut som en gigantisk röra för vissa, men det förnekar inget att väggmålningar som "Number 1 (Lavender Mist)" har en dynamisk, kinetisk kvalitet som håller din intressera. Andra abstrakta konstnärer, till exempel Mark Rothko, förenklade sitt ämne till färger själva. Färgfältverk som hans mästerverk från 1961 "Orange, röd och gul" är just det: tre pigmentblock där du kan förlora dig själv.
Fotorealismen utvecklades i slutet av 1960- och 70-talet som reaktion på abstrakt expressionism, som hade dominerat konst sedan 1940-talet. Denna stil verkar ofta mer verklig än verkligheten, där ingen detalj lämnas utanför och ingen brist är obetydlig.
Vissa konstnärer kopierar fotografier genom att projicera dem på en duk för att exakt fånga exakta detaljer. Andra gör det på frihand eller använder ett rutnätssystem för att förstora ett tryck eller ett foto. En av de mest kända fotorealistiska målarna är Chuck Close, vars huvudbilder på väggmålningar av andra konstnärer och kändisar är baserade på ögonblicksbilder.