Definitionen av form i art

Termen form kan betyda flera olika saker inom konst. Form är en av de sju element av konst och ansluter ett tredimensionellt objekt i rymden. EN formell analys av ett konstverk beskriver hur konstverkens element och principer tillsammans oberoende av deras betydelse och de känslor eller tankar de kan framkalla hos tittaren. Till sist, form används också för att beskriva konstverkets fysiska natur, som i metallskulptur, en oljemålning etc.

När det används tillsammans med ordet konst som i konstform, det kan också betyda ett medium av konstnärligt uttryck som erkänns som fin konst eller ett okonventionellt medium som görs så bra, adroitly eller kreativt att höja det till nivån av konst.

Form är ett av de sju elementen i konst som är de visuella verktygen som en konstnär använder för att komponera ett konstverk. Dessutom inkluderar de linje, form, värde, färg, textur, och Plats. Som ett element i konst, form anger något som är tredimensionellt och omsluter volym, med längd, bredd och höjd kontra

Geometriska former är former som är matematiska, exakta och kan namnges, som i de grundläggande geometriska formerna: sfär, kub, pyramid, kon och cylinder. En cirkel blir en sfär i tre dimensioner, en fyrkant blir en kub, en triangel blir en pyramid eller kon.

Geometriska former finns oftast i arkitektur och den byggda miljön, även om du också kan hitta dem i sfärer av planeter och bubblor, och i det kristallina mönstret av snöflingor, för exempel.

Organiska former är de som är friflytande, krökta, trånga och inte är symmetriska eller lätt mätbara eller namngivna. De förekommer oftast i naturen, som i blommor, grenar, löv, pölar, moln, djur, den mänskliga figuren etc., men kan också hittas i den spanska arkitekten djärva och fantasifulla byggnader Antoni Gaudi (1852 till 1926) såväl som i många skulpturer.

Form är närmast knuten till skulptur, eftersom det är en tredimensionell konst och traditionellt har nästan främst bestått av form, där färg och struktur är underordnade. Tredimensionella former kan ses från mer än en sida. Traditionellt kan man se former från alla sidor, kallat skulptur in-the-runda, eller i lättnad, de där de skulpterade elementen förblir fästa på en solid bakgrund, inklusive relief, haut-relief, och sjunkna-relief. Historiskt gjordes skulpturer i likhet med någon för att hedra en hjälte eller gud.

Det tjugonde århundradet utvidgade dock skulpturens betydelse, men förknippade begreppet öppna och stängda former, och meningen fortsätter att växa ut idag. Skulpturer är inte längre bara representativa, statiska, brevpapper, former med en solid ogenomskinlig massa som har ristats av sten eller modellerats av brons. Skulptur idag kan vara abstrakt, sammansatt från olika föremål, kinetisk, förändras med tiden eller vara gjord av okonventionella material som ljus eller hologram, som i berömd konstnärs verk James Turrell.

Skulpturer kan karakteriseras i relativa termer som slutna eller öppna former. EN sluten form har en liknande känsla som den traditionella formen av en fast ogenomskinlig massa. Även om utrymmen finns inom formen, de är innehållade och begränsade. En sluten form har ett inriktat fokus på själva formen, isolerad från omgivningsutrymmet. En öppen form är transparent och avslöjar dess struktur och har därför ett mer flytande och dynamiskt förhållande till omgivningsutrymmet. Negativt utrymme är en viktig komponent och aktiverande kraft i en öppen formskulptur. Pablo Picasso (1881 till 1973), Alexander Calder (1898 till 1976) och Julio Gonzalez (1876 till 1942) är några konstnärer som skapade skulpturer i öppen form, gjorda av tråd och annat material.

Henry Moore (1898 till 1986), den stora engelska konstnären som, tillsammans med sin samtida, Barbara Hepworth (1903 till 1975), var de två viktigaste Brittiska skulptörer inom modern konst, revolutionerade båda skulpturerna genom att vara de första som genomträngde sin biomorfiska form (bio = liv, morfisk = form) skulpturer. Hon gjorde det 1931, och han gjorde 1932 och noterade att "till och med rymden kan ha form" och att "ett hål kan ha lika mycket form som betydelse som en fast massa."

I ritning och målning förmedlas illusionen av tredimensionell form genom användning av belysning och skuggor och återgivning av värde och ton. Form definieras av den yttre konturen hos ett objekt, vilket är hur vi först uppfattar det och börjar känna till det, men ljus, värde och skugga hjälper till att ge ett objekt form och kontext i rymden så att vi helt kan identifiera oss den.

Om man till exempel antar en enda ljuskälla på en sfär är höjdpunkten där ljuskällan träffar direkt; mitttonen är mittvärdet på sfären där ljuset inte slår direkt; kärnskuggan är området på sfären som ljuset inte träffar alls och är den mörkaste delen av sfären; den gjutna skuggan är det område på omgivande ytor som är blockerat från ljuset av föremålet; reflekterad höjdpunkt är ljus som reflekteras tillbaka upp på objektet från de omgivande föremålen och ytorna. Med dessa riktlinjer för ljus och skuggning i åtanke kan varje enkel form ritas eller målas för att skapa en illusion av en tredimensionell form.

Ju större kontrast i värde, desto mer uttalad blir den tredimensionella formen. Former som ges med liten variation i värde verkar plattare än de som ges med större variation och kontrast.

Historiskt har måleriet gått från en platt representation av form och rymd till en tredimensionell representation av form och rymd, till abstraktion. Den egyptiska målningen var platt, med den mänskliga formen framförd men med huvud och fötter i profil. Den realistiska illusionen av formen inträffade inte förrän renässansen tillsammans med upptäckten av perspektiv. Barockkonstnärer som Caravaggio (1571 till 1610) utforskade rymdets, ljusets och naturens natur tredimensionell upplevelse av rymden ytterligare genom användning av chiaroscuro, den starka kontrasten mellan ljust och mörkt. Skildringen av den mänskliga formen blev mycket mer dynamisk, med chiaroscuro och förkortning som gav formerna en känsla av soliditet och vikt och skapade en kraftfull känsla av drama. Modernismen befriade konstnärer att spela med formen mer abstrakt. Konstnärer som Picasso, med uppfinningen avKubism, bröt upp formen för att antyda rörelse genom rymden och tiden.

När man analyserar ett konstverk är en formell analys separat från innehållet eller sammanhanget. En formell analys innebär att man tillämpar konstens element och principer för att analysera arbetet visuellt. Den formella analysen kan avslöja kompositionsbeslut som hjälper till att stärka innehåll, verkets essens, mening och konstnärens avsikt, samt ge ledtrådar till historiskt sammanhang.

Till exempel känslorna av mysterium, vördnad och överskridande som framkallas från några av de mest bestående renässans mästerverk, som Mona Lisa (Leonardo da Vinci, 1517), Skapandet av Adam (Michelangelo, 1512), the Sista måltiden (Leonardo da Vinci, 1498) skiljer sig från de formella kompositionselementen och principerna som linje, färg, rymd, form, kontrast, betoning osv. brukade konstnären att skapa målningen och som bidrar till dess betydelse, effekt och tidlösa kvalitet.

• Form, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/f/form
• The Art of Sculpture, Encyclopedia of Art, http://www.visual-arts-cork.com/sculpture.htm
• Livets hål, Tate Museum, http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/hole-of-life
• Barbara Hepworth vs Henry Moore, KulturWisper, https://www.culturewhisper.com/r/article/preview/3670
• Verk av Antoni Gaudi, http://whc.unesco.org/en/list/320
• Henry Moore Foundation, https://www.henry-moore.org
• Barbara Hepworth, https://barbarahepworth.org.uk
• James Turrell, http://jamesturrell.com

• Konstens element: Form, klassnivå: 3-4, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/content/ngaweb/education/teachers/lessons-activities/elements-of-art/form.html
• Form och form i konst: Instruktionsprogram för betyg K-4, Lärarhandbok, http://gettingtoknow.com/wp-content/uploads/shapeinartTG.pdf