En snabb rundtur i konst genom åldrarna

Ta på dig dina förnuftiga skor när vi går in på en ytterst förkortad konstturné genom tiderna. Syftet med det här stycket är att träffa höjdpunkterna och ge dig det bästa av grunderna i olika historier i konsthistoria.

Paleolitisk folk var strikt jägare-samlare, och livet var tufft. Människor gjorde ett gigantiskt språng i abstrakt tänkande och började skapa konst under denna tid. Ämnesområdet koncentrerades på två saker: mat och nödvändigheten att skapa fler människor.

Isen började dra sig tillbaka och livet blev lite lättare. De Mesolithic period (som varade längre i norra Europa än det gjorde i Mellanöstern) såg målningen flytta ut ur grottorna och ut på klipporna. Målningen blev också mer symbolisk och abstrakt.

Snabbspolning fram till Neolitisk ålder, komplett med jordbruk och husdjur. Nu när maten var mer riklig hade människor tid att uppfinna användbara verktyg som att skriva och mäta. Mätningsdelen måste ha varit praktiskt för megalitbyggarna.

Det bör noteras att "stenåldern" -konst fortsatte att blomstra runt om i världen för ett antal kulturer, fram till idag. "Etnografisk" är en praktisk term som här betyder: "Att inte gå vägen för västerländsk konst."

"Landet mellan floderna" såg att ett fantastiskt antal kulturer stiger till - och faller från - makten. De sumererna gav oss ziggurats, tempel och massor av gudar skulpturer. Ännu viktigare är att de förenade naturliga och formella element i konst. De Akkadians introducerade segerstelen, vars ristningar för alltid påminner oss om deras förmåga i strid. De Babyloniernas förbättrats på stelen, med den för att spela in den första enhetliga lagkoden. De assyrier sprang vilt med arkitektur och skulptur, både i lättnad och i rundan. Så småningom var det pers som satte hela området - och dess konst - på kartan när de erövrade angränsande länder.

Konst i antika Egypten var konst för de döda. Egypterna byggde gravar, pyramider (utarbetade gravar) och Sfinxen (också en grav) och dekorerade dem med färgglada bilder av gudarna som de trodde styrde i efterlivet.

De Minoan kultur, på Kreta och mykenare i Grekland förde oss fresker, öppen och luftig arkitektur och marmoridoler.

Grekerna införde humanistisk utbildning, vilket återspeglas i deras konst. Keramik, målning, arkitektur och skulptur utvecklades till utarbetade, mycket utformade och dekorerade föremål som förhärligade den största skapelsen av alla: människor.

På den italienska halvön omfamnade etruskierna Bronsåldern på ett stort sätt som producerar skulpturer som är anmärkningsvärda för att vara stiliserade, dekorativa och full av underförstådd rörelse. De var också entusiastiska producenter av gravar och sarkofager, inte till skillnad från egypterna.

När de ökade, försökte romarna först utplåna Etruskisk konstföljt av många attacker mot Grekisk konst. Lånar fritt från dessa två erövrade kulturer skapade romarna sin egen stil, en som allt mer stod för kraft. Arkitektur blev monumental, skulpturer avbildade döpt namn på gudar, gudinnor och framstående medborgare och i målningen infördes landskapet och fresker blev enorma.

Tidigt kristen konst ingår i två kategorier: den för förföljelseperioden (fram till år 323) och den som kom efter Konstantin den stora erkänd kristendom: erkännandeperioden. Den första är främst känd för konstruktion av katakomber och bärbar konst som kan döljas. Den andra perioden präglas av den aktiva konstruktionen av kyrkor, mosaiker och bokföringen. Skulptur avlägsnades endast till verk i lättnad - allt annat skulle ha betraktats som "snidade bilder."

Inte en plötslig övergång, som datumen antyder, avviker den bysantinska stilen gradvis från tidigt kristen konst, precis som östkyrkan växte längre bort från den västerländska. Byzantinsk konst kännetecknas av att den är mer abstrakt och symbolisk och mindre upptagen av att varje djup - eller tyngdkraften - är uppenbar i målningar eller mosaiker. Arkitektur blev ganska komplicerad och domar dominerade.

Fram till idag är islamisk konst känd för att vara mycket dekorativ. Dess motiv översätter vackert från en kalk till en matta till Alhambra. Islam har förbud mot avgudadyrkan, så vi har lite bildhistoria som ett resultat.

Dessa år var ganska kaotiska i Europa, eftersom barbariska stammar sökte (och sökte och sökte) platser att bosätta sig i. Frekventa krig utbröt och konstant etnisk flyttning var normen. Konst under denna period var nödvändigtvis liten och bärbar, vanligtvis i form av dekorativa stift eller armband. Det lysande undantaget från denna "mörka" ålder inom konst inträffade i Irland, som hade den stora förmögenheten att undkomma invasionen. Under en tid.

Charlemagne byggde ett imperium som inte överträffade hans knarkande och oduktiga barnbarn, men den kulturella väckelsen som imperiet skapade visade sig vara mer hållbar. Kloster blev små städer där manuskript massproducerades. Guldsmeden och användningen av ädelstenar och halvädelstenar var på mode.

De Saxon Kung Otto I bestämde sig för att han kunde lyckas där Karlemagne misslyckades. Det fungerade inte heller, men ottonisk konst, med dess tunga bysantinska påverkan, gav nytt liv i skulptur, arkitektur och metallverk.

För första gången i historien beskrivs konst av en term Övrig än namnet på en kultur eller civilisation. Europa blev mer en sammanhållen enhet, som hölls samman av kristendomen och feudalismen. Uppfinningen av tunnvalvet gjorde det möjligt för kyrkor att bli katedraler och skulptur blev en integrerad del av arkitekturen. Under tiden fortsatte målningen främst i upplysta manuskript.

"Gotiskt" myntades först för att (derogatoriskt) beskriva denna eras arkitekturstil, som tappade på länge efter att skulptur och målning hade lämnat sitt företag. De gotisk båge tillät stora, skyhöga katedraler att byggas, som sedan dekorerades med den nya tekniken av målat glas. Under denna period börjar vi också lära oss mer individuella namn på målare och skulptörer - av vilka de flesta verkar angelägna om att lägga allt gotiskt bakom sig. I själva verket, med början runt 1200, alla slags vilda konstnärer innovationer började äga rum i Italien.

Detta var Florens guldålder. Dess mäktigaste familj, Medici (bankirer och välvilliga diktatorer), använde överdådigt oändliga medel för att få sin republik härlighet och förskönhet. Konstnärer flockade in för en del av largessen och byggde, skulpterade, målade och började till sist aktivt ifrågasätta "regler" för konst. Konst, i sin tur, blev märkbart mer individualiserad.

Alla erkända mästerverk från klumpbegreppet "renässans"skapades under dessa år. Leonardo, Michelangelo, Raphael och företag gjorde sådana överträffar mästerverk, faktiskt att nästan varje konstnär, för evigt efter, inte ens Prova att måla i den här stilen. Den goda nyheten var att på grund av dessa Renässansgratieratt vara konstnär ansågs nu vara acceptabel.

Här har vi en annan först: an abstrakt term för en konstnärlig era. Renässanskonstnärer fortsatte efter Raphaels död att förfina målning och skulptur, men de sökte inte en ny stil. Istället skapade de i det tekniska sätt av sina föregångare.

En renässans uppstod någon annanstans i Europa, men inte i tydligt definierade steg som i Italien. Länder och kungarike var upptagna med att jockeya för att bli framträdande (slåss), och det var den märkliga brytningen med den katolska kyrkan. Konst tog en baksäte till dessa andra händelser och stilar flyttade från gotiska till renässans till barock på ett slags icke-sammanhängande, konstnär-för-konstnärsbasis.

Humanismen, renässansen och reformationen (bland andra faktorer) arbetade tillsammans för att lämna medeltiden för alltid, och konst accepterades av massorna. Konstnärer från barockperioden introducerade mänskliga känslor, passion och ny vetenskaplig förståelse för deras verk - av vilka många behöll religiösa teman, oavsett vilken kyrka konstnärerna höll kär.

I vad vissa skulle betrakta som ett dåligt råd, tog Rococo barockkonst från "fest för ögonen" till direkt visuell frossa. Om konst eller arkitektur skulle kunna förgyllas, utsmyckas eller på annat sätt tas över "toppen", läggde Rococo med glädje till dessa element. Som en period var det (barmhärtigt) kort.

Saker hade lossnat tillräckligt, vid denna tid, att två olika stilar kunde tävla om samma marknad. Neo-klassisismen kännetecknades av trogen studie (och kopia) av klassikerna, i kombination med användningen av element som tagits fram av den nya arkeologiska vetenskapen. Romantiken trotsade å andra sidan lätt karakterisering. Det var mer en attityd- en som görs acceptabel av upplysning och gryning av det sociala medvetandet. Av de två hade romantiken mycket större inverkan på konstens gång från denna tid framöver.

Obligatorisk för de två rörelserna ovan, realister kom fram (först tyst, sedan ganska högt) med övertygelsen om att historien inte hade någon mening och att konstnärer inte skulle göra något som de inte personligen hade upplevt. I ett försök att uppleva "saker" blev de involverade i sociala orsaker och befann sig inte förvånande ofta på fel sida av myndighet. Realistisk konst kopplade sig alltmer från form och omfamnade ljus och färg.

Där realismen rörde sig bort från formen, kastade imressionismen formen ut genom fönstret. Impressionisterna levde upp till sitt namn (som de själv inte hade myntat): Konst var ett intryck och kunde som sådan göras helt genom ljus och färg. Världen blev först upprörd av deras trolldom, sedan accepterade. Med acceptans kom slutet på Impressionismen som en rörelse. Uppdrag slutfört; konsten var nu fri att sprida på vilket sätt som helst.

De impressionisterna förändrade allt när deras konst accepterades. Från denna tidpunkt hade artister fritt tyg för att experimentera. Även om allmänheten motsatte sig resultaten var det fortfarande konst och därmed beviljades en viss respekt. Rörelser, skolor och stilar - i yrande antal - kom, gick, divergerade från varandra och ibland smälte.

Det finns inget sätt, egentligen, att överensstämma Allt av dessa enheter till och med ett kort omnämnande här, så vi kommer nu att täcka bara några av de bättre kända namnen.

Detta är en praktisk titel för det som inte var en rörelse utan en grupp konstnärer (främst Cézanne, Van Gogh, Seurat och Gauguin) som flyttade förbi impressionismen och vidare till andra, separata ansträngningar. De behöll ljuset och färgen impressionism förde men försökte sätta några av de andra elementen av konst - form och linje, till exempel - tillbaka i konst.

Fauverna ("vilda djur") var franska målare som leddes av Matisse och Rouault. Rörelsen de skapade, med dess vilda färger och skildringar av primitiva föremål och människor, blev känd som expressionism och spridde sig särskilt till Tyskland.

I Frankrike uppfann Picasso och Braque Kubism, där organiska former delades upp i en serie geometriska former. Deras uppfinning skulle visa sig vara grundläggande för Bauhaus under kommande år, samt inspirera till den första moderna abstrakta skulpturen.

Samtidigt bildades Futurism i Italien. Det som började när en litterär rörelse flyttade in i en konststil som omfattade maskiner och industritiden.

Surrealism handlade om att avslöja den dolda betydelsen av drömmar och uttrycka det undermedvetna. Det var ingen slump att Freud redan hade publicerat sina banbrytande psykoanalytiska studier innan denna rörelsens uppkomst.

Andra världskriget (1939–1945) avbröt alla nya konströrelser, men konsten kom tillbaka med en hämnd 1945. Som kommer från en värld som rivits ihop, Abstrakt expressionism kasserade allt - inklusive igenkännbara former - utom självuttryck och rå känslor.

Som reaktion mot abstrakt expressionism förhärligade Pop Art de mest vardagliga aspekterna av amerikansk kultur och kallade dem konst. Det var roligt konst, dock. Och i det "händande" mitten av 60-talet, Op (en förkortad term för optisk illusion) Konst kom på scenen, precis i tid för att mesh fint med den psykedeliska musiken.

Under de senaste åren har konst förändrats i blixtens hastighet. Vi har sett tillkomsten av performancekonst, konceptuell konst, digital konst och chockkonst, för att bara nämna några nya erbjudanden.

Idéer inom konst kommer aldrig att sluta förändras och gå vidare. Men när vi går mot en mer global kultur kommer vår konst alltid att påminna oss om våra kollektiva och respektive intressen.