54 Berömda målningar gjorda av kända artister

Att vara en känd artist under din livstid är ingen garanti för att andra artister kommer ihåg dig. Har du hört talas om den franska målaren Ernest Meissonier?

Han var samtida med Edouard Manet och den i särklass mer framgångsrika artisten om kritikerros och försäljning. Det motsatta är också sant, med Vincent van Gogh. Van Gogh litade på sin bror, Theo, för att förse honom med färg och duk, men idag hämtar hans målningar rekordpriser när de kommer upp på en konstauktion, och han är ett känt namn.

Att titta på berömda målningar tidigare och nu kan lära dig många saker, inklusive komposition och hantering av färg. Även om det förmodligen den viktigaste lektionen är att du i slutändan ska måla för dig själv, inte för en marknad eller efterkommande.

"Night Watch" - Rembrandt

"Night Watch" -målningen av Rembrandt är i Rijksmuseum i Amsterdam. Som bilden visar är det en enorm målning: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt avslutade den 1642. Dess sanna titel är "The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch", men det är bättre känt precis som Nattvakt. (Ett företag som är milisvakt).

Målningens sammansättning var väldigt annorlunda under perioden. Istället för att visa figurerna på ett snyggt, ordnat sätt, där alla fick samma framträdande och utrymme på duken, har Rembrandt målat dem som en upptagen grupp i aktion.

Runt 1715 målades en sköld på "Night Watch" med namnen på 18 personer, men bara några av namnen hade någonsin identifierats. (Så kom ihåg om du målar ett gruppporträtt: rita ett diagram på baksidan för att gå med namnen på alla så framtida generationer vet!) I mars 2009 avslöjade den holländska historikern Bas Dudok van Heel äntligen mysteriet om vem som är vem i målning. Hans forskning hittade till och med kläder och accessoarer som avbildas i "Night Watch" som nämns i inventeringar av familjegods, som han sedan samlade med åldern för de olika milismedlemmarna 1642, året då målningen var avslutad.

Dudok van Heel upptäckte också att i hallen där Rembrandts "Night Watch" först hängdes fanns sex grupper porträtt av en milis som ursprungligen visades i en kontinuerlig serie, inte sex separata målningar som länge varit trodde. Snarare de sex gruppporträtten av Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart och Flinck bildade en obruten fris som var och en matchade varandra och fixerade i träpanelen i rummet. Eller så var det meningen. Rembrandts "Night Watch" passar inte med de andra målningarna i varken komposition eller färg. Det verkar som om Rembrandt inte följde villkoren i hans uppdrag. Men om han hade gjort det, hade vi aldrig haft detta påfallande annorlunda gruppporträtt från 1600-talet.

"Hare" - Albrecht Dürer

Vanligtvis kallad Dürer's kanin, den officiella titeln på denna målning kallar det en hare. Målningen finns i den permanenta samlingen av Batliner Collection av Albertina Museum i Wien, Österrike.

Den målades med akvarell och gouache, med de vita höjdpunkterna gjorda i gouache (snarare än att vara papperet omålade vita).

Det är ett spektakulärt exempel på hur päls kan målas. För att efterlikna det beror det tillvägagångssätt du beror på hur mycket tålamod du har. Om du har odlar målar du med en tunn pensel, ett hår i taget. Använd annars en torrborststeknik eller dela hårstrån på en borste. Tålamod och uthållighet är avgörande. Arbeta för snabbt på våtfärg, och de enskilda slagen riskerar att blandas. Fortsätt inte tillräckligt länge och pälsen verkar sliten.

Takfreske för Sixtinska kapellet - Michelangelo

Michelangelos målning av taket i Sixtinska kapellet är en av de mest kända freskerna i världen.

Det sixtinska kapellet är ett stort kapell i det apostoliska palatset, påvens officiella residens (ledaren för den katolska kyrkan) i Vatikanstaten. Den har många fresker målade i den av några av de största namnen på renässansen, inklusive väggfresker av Bernini och Raphael, men är ändå mest känd för freskerna i taket av Michelangelo.

Michelangelo föddes den 6 mars 1475 och dog den 18 februari 1564. På uppdrag av påven Julius II arbetade Michelangelo vidaretaket i Sixtinska kapellet från maj 1508 till oktober 1512 (inget arbete utfördes mellan september 1510 och augusti 1511). Kapellet invigdes den 1 november 1512 på Alla helgons högtid.

Kapellet är 40,23 meter långt, 13,40 meter brett och taket 20,70 meter över marken på sin högsta punkt¹. Michelangelo målade en serie bibliska scener, profeter och Kristi förfäder, samt trompe l'oeil eller arkitekturfunktioner. Takets huvudsakliga område visar historier från berättelserna från 1 Moseboken, inklusive skapandet av mänskligheten, människans fall från nåd, översvämningen och Noa.

Sixtinska kapelltaket: En detalj

Panelen som visar skapandet av människan är förmodligen den mest kända scenen i den berömda fresken av Michelangelo på taket i Sixtinska kapellet.

Det sixtinska kapellet i Vatikanen har många fresker målade i det, men är ändå mest känt för freskerna i taket av Michelangelo. Omfattande restaurering gjordes mellan 1980 och 1994 av Vatikanens konstexperter och avlägsnade århundraden av rök från ljus och tidigare restaureringsarbete. Detta avslöjade färger mycket ljusare än tidigare trott.

Pigment som Michelangelo använde inkluderade ockra för röda och gula, järnsilikater för gröna, lapis lazuli för blues och kol för svart.¹ Inte allt är så målat som det först visas. Till exempel är figurer i förgrunden målade mer detaljerat än de i bakgrunden, vilket ökar djupkänslan i taket.

Mer om Sixtinska kapellet:

• Vatikanmuseerna: Sixtinska kapellet
• Virtuell rundtur i Sixtinska kapellet

Källor:
1 Vatikanmuseerna: Sixtinska kapellet, Vatikanstaten, webbplats 9 september 2010.

Leonardo da Vinci anteckningsbok

Renässanskonstnären Leonardo da Vinci är känd inte bara för sina målningar utan också för sina anteckningsböcker. Detta foto visar en i V&A Museum i London.

V&A Museum i London har fem av Leonardo da Vincis anteckningsböcker i sin samling. Den här, känd som Codex Forster III, användes av Leonardo da Vinci mellan 1490 och 1493 när han arbetade i Milano för hertigen Ludovico Sforza.

Det är en liten anteckningsbok, den typ av storlek som du enkelt kan ha i en kappficka. Den är fylld med alla möjliga idéer, anteckningar och skisser, inklusive "skisser av en hästs ben, teckningar av hattar och kläder som kan ha varit idéer för kostymer på bollar och en redogörelse för människans anatomi huvud."¹ Även om du inte kan bläddra i anteckningsboken i museet kan du bläddra igenom den online.

Att läsa hans handstil är inte lätt mellan den kalligrafiska stilen och hans användning av spegelskrift (bakåt, från höger till vänster) men vissa tycker att det är fascinerande att se hur han sätter alla slags i en anteckningsbok. Det är en fungerande anteckningsbok, inte en utställning. Om du någonsin orolig att din kreativitetsdagbok var inte på något sätt korrekt gjort eller organiserat, ta din ledning från den här mästaren: gör det som du behöver.

<sub>Källa:
1. Utforska Forster Codices, V&A Museum. (Åtkomst 8 augusti 2010.)</sub>

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo Da Vinci"Mona Lisa" -målningen i Louvren i Paris är utan tvekan den mest kända målningen i världen. Det är förmodligen också det mest kända exemplet på sfumato, en målningsteknik som delvis är ansvarig för hennes gåtfulla leende.

Det har spekulerats mycket i vem kvinnan i målningen var. Det anses vara ett porträtt av Lisa Gherardini, hustru till en florentinsk tyghandlare som heter Francesco del Giocondo. (Konstförfattaren Vasari från 1500-talet var bland de första som föreslog detta i sina "Lives of the Artists"). Det föreslås också att anledningen till hennes leende var att hon var gravid.

Konsthistoriker vet Leonardo hade börjat "Mona Lisa" 1503, eftersom det registrerades av det år av en högre florentinsk tjänsteman, Agostino Vespucci. När han är klar är det mindre säkert. Louvren daterade ursprungligen målningen till 1503-06, men upptäckter gjorda 2012 antyder att den kan ha varit lika mycket som en decennium senare innan den var klar baserat på bakgrunden baserad på en ritning av stenar som han är känd för att ha gjort i 1510-15.¹ Louvren ändrade datumen till 1503-19 i mars 2012.

Källa:
1. Mona Lisa kunde ha slutförts ett decennium senare än tänkt i The Art Newspaper, av Martin Bailey, 7 mars 2012 (nås 10 mars 2012)

Berömda målare: Monet i Giverny

Referensfoton för målning: Monets "Garden at Giverny."

En del av anledningen till att den impressionistiska målaren Claude Monet är så känd är hans målningar av reflektionerna i liljedammarna som han skapade i sin stora trädgård i Giverny. Det inspirerade i många år, ända till slutet av hans liv. Han skissade idéer för målningar inspirerade av dammarna och skapade små och stora målningar både som enskilda verk och serier.

Claude Monets signatur

Detta exempel på hur Monet signerade sina målningar är från en av hans näckrosmålningar. Du kan se att han har undertecknat det med ett namn och efternamn (Claude Monet) och året (1904). Det är i det nedre högra hörnet, tillräckligt långt så att det inte skulle klippas av av ramen.

Monets fullständiga namn var Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Denna målning av Monet gav namnet till impressionistisk stil av konst. Han ställde ut den 1874 i Paris i det som blev känt som den första impressionistiska utställningen.

I sin recension av utställningen som han titeln "Exhibition of Impressionists" sa konstkritikern Louis Leroy:

"Tapet i sitt embryonala tillstånd är mer färdigt än det marinmålningen."

<sub>Källa:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" av Louis Leroy, Le Charivari, 25 april 1874, Paris. Översatt av John Rewald i Impressionismens historia, Moma, 1946, p256-61; citerad i Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History av Bruce Altshuler, Phaidon, s42-43.</sub>

"Haystacks" -serien - Monet

Monet målade ofta en serie av samma ämne för att fånga ljusets förändrade effekter och bytte dukar när dagen gick.

Monet målade många ämnen om och om igen, men var och en av hans seriemålningar är olika, oavsett om det är en målning av en näckros eller en höstack. Eftersom Monets målningar är utspridda i samlingar runt om i världen är det vanligtvis bara i specialutställningar som hans seriemålningar ses som en grupp. Lyckligtvis Art Institute i Chicago har flera av Monets höstackmålningar i sin samling, eftersom de gör imponerande tittar tillsammans:

• Stack av vete
• Tina, Solnedgång
• Solnedgång, snöeffekt
• Snöeffekt, mulen dag
• Slutet av sommaren

I oktober 1890 skrev Monet ett brev till konstkritikern Gustave Geffroy om höstackserien som han målade och sa:

"Jag är hård på det och jobbar envist med en rad olika effekter, men vid denna tid på året går solen så snabbt att det är omöjligt att hålla jämna steg med det... ju längre jag kommer, desto mer ser jag att mycket arbete måste göras för att återge det jag letar efter: "ögonblicklighet", "kuvertet" framför allt, samma ljus sprids över allt... Jag blir alltmer besatt av behovet av att återge det jag upplever, och jag ber att jag har några fler bra år kvar för mig eftersom jag tror att jag kan göra några framsteg i den riktningen... " ¹

<sup>Källa: ​
1. Monet själv, p172, redigerad av Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Näckrosor" - Claude Monet

Claude Monet, "Näckrosor", c. 19140-17, olja på duk. Storlek 65 3/8 x 56 tum (166,1 x 142,2 cm). I samlingen av Konstmuseer i San Francisco.

Monet är kanske den mest kända av impressionisterna, särskilt för hans målningar av reflektionerna i liljedammen vid hans Giverny-trädgård. Denna speciella målning visar en liten bit moln i det övre högra hörnet och himmelens fläckiga blått som reflekteras i vattnet.

Om du studerar foton av Monets trädgård, som den här av Monets liljedamm och den här av liljeblommor, och jämför dem med den här målningen, kommer du få en känsla för hur Monet minskade detaljerna i sin konst, inklusive endast scenens väsen, eller intrycket av reflektion, vatten och lilja blomma. Klicka på länken "Visa full storlek" under bilden ovan för en större version där det är lättare att få en känsla för Monets penseldrag.

Den franska poeten Paul Claudel sa:

"Tack vare vatten har [Monet] blivit målare för det vi inte kan se. Han adresserar den osynliga andliga ytan som skiljer ljus från reflektion. Luftig azurblå fångst av flytande azurblå... Färg stiger från botten av vattnet i moln, i bubbelpooler. "

^Källa:
Sida 262 Art of Our Century, av Jean-Louis Ferrier och Yann Le Pichon

Camille Pissarros underskrift

Målaren Camille Pissarro tenderar att vara mindre känd än många av hans samtida (som Monet) men har en unik plats i konstens tidslinje. Han arbetade som både impressionist och neoimpressionist, liksom att påverka nu kända artister som Cézanne, Van Gogh och Gauguin. Han var den enda konstnären som ställde ut på alla åtta Impressionistiska utställningar i Paris från 1874 till 1886.

Van Gogh självporträtt (1886/1887)

Detta porträtt förbi Vincent van Gogh finns i samlingen från Art Institute of Chicago. Den målades med en stil som liknar punktillism men håller sig inte bara till prickar.

Under de två åren han bodde i Paris, från 1886 till 1888, målade Van Gogh 24 självporträtt. Art Institute of Chicago beskrev den här som att den inte använde Seurats "prickteknik" som en vetenskaplig metod utan "en intensiv känslomässigt språk "där" de röda och gröna prickarna är störande och helt i linje med nervspänningen som framgår av van Goghs blick."

I ett brev några år senare till sin syster, Wilhelmina, skrev Van Gogh:

"Jag målade två bilder av mig själv nyligen, varav en har snarare den sanna karaktären, tror jag, även om de i Holland förmodligen skulle håna idéerna om porträttmålning som gro här... Jag tycker alltid att fotografier är avskyvärda, och jag gillar inte att ha dem runt, särskilt inte de av personer jag känner och älskar... fotografiska porträtt försvinner mycket snabbare än vi själva gör, medan det målade porträttet är en sak som känns, gjord med kärlek eller respekt för människan som porträtteras. "

Källa:
Brev till Wilhelmina van Gogh, 19 september 1889

Vincent van Goghs signatur

The Night Cafe av Van Gogh finns nu i samlingen på Yale University Art Gallery. Det är känt att Van Gogh bara signerade de målningar som han var särskilt nöjd med, men det som är ovanligt i fallet med den här målningen är att han lade till en titel under sin signatur, "Le café de Nuit."
Lägg märke till att Van Gogh signerade sina målningar helt enkelt "Vincent", inte "Vincent van Gogh" eller "Van Gogh."

I ett brev till sin bror Theo, skrivet den 24 mars 1888, sa han:

"I framtiden borde mitt namn läggas i katalogen när jag undertecknar det på duken, nämligen Vincent och inte Van Gogh, av den enkla anledningen att de inte vet hur man uttalar det senare namnet här."

"Här" är Arles, i södra Frankrike.
Om du har undrat hur du uttalar Van Gogh, kom ihåg att det är ett holländskt efternamn, inte franska eller engelska. Så "Gogh" uttalas, så det rimmar med den skotska "loch". Det är inte "goff" eller "go".

Stjärnklar natt - Vincent van Gogh

Denna målning, som möjligen är den mest kända målningen av Vincent van Gogh, finns i samlingen på museum för modern konst i New York.
Van Gogh målade Stjärnklar natt i juni 1889, efter att ha nämnt morgonstjärnan i ett brev till sin bror Theo skrivet omkring den 2 juni 1889: "I morse såg landet från mitt fönster en lång tid före soluppgången, med ingenting annat än morgonstjärnan, som såg väldigt stor ut. "Morgonstjärnan (faktiskt planeten Venus, inte en stjärna) anses allmänt vara den stora vita målade precis till vänster om mitten av målningen.
Tidigare brev från Van Gogh nämner också stjärnorna och natthimlen och hans önskan att måla dem:

1. "När ska jag någonsin ta mig till att göra stjärnhimlen, den bilden som jag alltid tänker på?" (Brev till Emile Bernard, ca 18 juni 1888)
2. "När det gäller stjärnhimlen hoppas jag mycket på att måla den, och kanske kommer jag att göra en av dessa dagar" (Brev till Theo van Gogh, 26 september 1888).
3. "För närvarande vill jag absolut måla en stjärnhimmel. Det verkar ofta som om natten fortfarande är rikare färgad än dagen; med nyanser av de mest intensiva violer, blues och greener. Om du bara är uppmärksam på det kommer du att se att vissa stjärnor är citrongula, andra rosa eller en grön, blå och glöm-mig-inte-glans... det är uppenbart att det inte räcker med att sätta små vita prickar på den blåsvarta för att måla en stjärnhimmel. "(Brev till Wilhelmina van Gogh, 16 september 1888)

Restaurangen de la Sirene, i Asnieres - Vincent van Gogh

Denna målning av Vincent van Gogh finns i samlingen av Ashmolean Museum i Oxford, Storbritannien. Van Gogh målade den strax efter att han anlände till Paris 1887 för att bo hos sin bror Theo i Montmartre, där Theo ledde ett konstgalleri.
För första gången exponerades Vincent för impressionisternas målningar (särskilt Monet) och träffade konstnärer som Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard och Pissarro. Jämfört med hans tidigare verk, som dominerades av mörka jordtoner som är typiska för nordeuropeiska målare som Rembrandt, visar denna målning hur dessa konstnärer påverkar honom.
De färger han använde har blivit ljusare och ljusare, och hans penseldrag har blivit lösare och tydligare. Titta på dessa detaljer från målningen så ser du hur han använde små streck av ren färg, åtskilda. Han blandar inte färger på duken utan låter detta hända i betraktarens ögon. Han prövar trasig färg Impressionisternas tillvägagångssätt
Jämfört med hans senare målningar är färgremsorna åtskilda, med en neutral bakgrund som visas mellan dem. Han täcker ännu inte hela duken med mättad färg eller utnyttjar möjligheterna att använda penslar för att skapa textur i själva färgen.

Restaurangen de la Sirene, på Asnieres av Vincent van Gogh (Detalj)

Dessa detaljer från Van Goghs målning The Restaurant de la Sirene, på Asnieres (i Ashmolean Museums samling), visar hur han experimenterade med hans penseldrag och penselmärken efter exponering för impressionisterna och andra samtida parisare konstnärer.

"Fyra dansare" - Edgar Degas

Edgar Degas, fyra dansare, c. 1899. Olja på duk. Storlek 59 1/2 x 71 tum (151,1 x 180,2 cm). I National Gallery of Art, Washington.

"Porträtt av konstnärens mor" - Whistler

Detta är möjligen Whistlers mest kända målning. Dess fullständiga titel är "Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother". Hans mor gick med på att posera för målningen när modellen Whistler hade använt blev sjuk. Inledningsvis bad han henne att posera stående, men som du ser gav han efter och lät henne sitta ner.
På väggen är etsning av Whistler, "Black Lion Wharf." Om du tittar mycket noga på gardinen längst upp till vänster av etsningens ram ser du ett lättare fläck, det är fjärilsymbolen Whistler använde för att signera sina målningar. Symbolen var inte alltid densamma, men den förändrades och dess form används för att datera hans konstverk. Det är känt att han började använda den 1869.

"Hope II" - Gustav Klimt

"Den som vill veta något om mig - som konstnär, det enda anmärkningsvärda - borde titta noga på mina bilder och försöka se i dem vad jag är och vad jag vill göra." Klimt.

Gustav Klimt målade Hope II på duk 1907/8 med oljefärger, guld och platina. Det är 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 "). Målningen är en del av samling museum för modern konst i New York.
Hope II är ett vackert exempel på Klimts användning av guldblad i målningar och hans rika prydnadsstil. Titta på hur han målade plagget som huvudfiguren hade på sig, hur det är en abstrakt form dekorerad med cirklar men ändå läser vi det som en mantel eller klänning. Hur i botten smälter det in i de tre andra ansikten.
I sin illustrerade biografi om Klimt sa konstkritiker Frank Whitford:

Klimt "applicerade äkta guld- och silverblad för att ytterligare öka intrycket av att målningen är ett värdefullt föremål, inte på distans en spegel där naturen kan skymmas utan en noggrant utformad artefakt. " ²

Det är en symbolik som fortfarande anses giltig idag med tanke på att guld fortfarande betraktas som en värdefull vara.
Klimt bodde i Wien i Österrike och hämtade sin inspiration mer från öst än väst, från "sådana källor som Bysantinsk konst, mykensk metallverk, persiska mattor och miniatyrer, mosaiken i Ravenna-kyrkorna och japanska skärmar. " ³
Källa:
1. Konstnärer i sammanhang: Gustav Klimt av Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), baksida.
2. Ibid. p82.
3. MoMA-höjdpunkter (Museum of Modern Art, New York, 2004), s. 54

Picassos signatur

Detta är signaturen för Picasso på hans målning 1903 (från hans blå period) med titeln "The Absinthe Drinker."
Picasso experimenterade med olika förkortade versioner av hans namn som sin målningssignatur, inklusive inringade initialer innan de satte på "Pablo Picasso." Idag hör vi i allmänhet att han kallas helt enkelt "Picasso."

Hans fullständiga namn var: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Källa:
1. "En summa av förstörelser: Picassos kulturer och skapandet av kubismen", av Natasha Staller. Yale University Press. Sida s209.</sub>

"The Absinthe Drinker" - Picasso

Denna målning skapades av Picasso 1903 under hans blå period (en tid då blåttoner dominerade Picassos målningar; när han var i tjugoårsåldern). Den innehåller konstnären Angel Fernandez de Soto, som var mer entusiastisk över att festa och dricka än hans målning¹, och som delade en studio med Picasso i Barcelona vid två tillfällen.
Målningen togs ut på auktion i juni 2010 av Andrew Lloyd Webber Foundation efter att en förlikning utanför domstol hade uppnåtts i USA om ägande, efter ett påstående från efterkommande av den tysk-judiska bankiren Paul von Mendelssohn-Bartholdy att målningen hade varit under tvång under 1930-talet under nazistregimen i Tyskland.

<sub>Källa:
1. Christies auktionshus pressmeddelande, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17 mars 2010.</sub>

"Tragedin" - Picasso

Pablo Picasso, Tragedin, 1903. Olja på trä. Storlek 41 7/16 x 27 3/16 tum (105,3 x 69 cm). I National Gallery of Art, Washington.

Det är från hans blå period, när hans målningar, som namnet antyder, dominerades av blues.

Skiss av Picasso för hans berömda "Guernica" -målning

Under planeringen och arbetet med sin enorma målning Guernica gjorde Picasso många skisser och studier. Bilden visar en av hans sammansättning skisser, som i sig inte ser ut så mycket, en samling klottrade linjer.

I stället för att försöka dechiffrera vad de olika sakerna kan vara och var det är i den slutliga målningen, tänk på det som Picasso-stenografi. Enkel märketillverkning för bilder han hade i sitt sinne. Fokusera på hur han använder detta för att bestämma var man ska placera element i målningen, på samspelet mellan dessa element.

"Guernica" - Picasso

Den här berömda målningen av Picasso är enorm: 11 fot 6 tum hög och 25 fot 8 tum bred (3,5 x 7,76 meter). Picasso målade den på beställning för den spanska paviljongen vid världsmässan 1937 i Paris. Det är i Museo Reina Sofia i Madrid, Spanien.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso gjorde denna porträttmålning 1901 när han var 20. Ämnet en katalansk skräddare, Mr. Minguell, som man tror Picasso introducerades för av sin konsthandlare och vän Pedro Manach¹. Stilen visar den utbildning Picasso hade i traditionell målning och hur långt hans målningsstil utvecklades under sin karriär. Att det är målat på papper är ett tecken på att det gjordes vid en tidpunkt då Picasso var sönder och ännu inte tjänade tillräckligt med pengar från sin konst för att måla på duk.

Picasso gav Minguell målningen i gåva, men köpte den senare tillbaka och hade den fortfarande när han dog 1973. Målningen sattes på duk och återställdes sannolikt också under Picassos ledning "någon gång före 1969"², när den fotograferades för en bok av Christian Zervos på Picasso.

Nästa gång du är i ett av dessa middagsargument om hur alla icke-realistiska målare bara målar abstrakt, kubist, fauvist, impressionist, välj din stil eftersom de inte kan göra "riktiga målningar", fråga personen om de placerar Picasso i den här kategorin (de flesta gör), nämn sedan denna målning.

_{Källa:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Föremålsinformation Försäljning av impressionist och modern konst 22 juni 2010. (Åtkomst 3 juni 2010.)}

"Dora Maar" eller "Tête De Femme" - Picasso

När den såldes på auktion i juni 2008 såldes denna målning av Picasso för 7 881 250 £ (15 509 512 US $). Auktionsuppskattningen hade varit tre till fem miljoner pund.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Denna enorma målning (nästan åtta kvadratmeter) av Picasso kallas en av de viktigaste bitarna av modern konst som någonsin skapats, om inte de viktigast, en viktig målning i utvecklingen av modern konst. Målningen visar fem kvinnor - prostituerade i ett bordell - men det finns mycket debatt om vad det hela betyder och alla referenser och influenser i det.
Konstkritiker Jonathan Jones¹ säger:

"Det som slog Picasso om afrikanska masker [tydligt i ansiktena på figurerna till höger] var det mest uppenbara: att de döljer dig, förvandlar dig till något annat - ett djur, en demon, en Gud. Modernism är en konst som bär en mask. Det står inte vad det betyder; det är inte ett fönster utan en vägg. Picasso valde sitt ämne just för att det var en kliché: han ville visa att originalitet inom konsten inte ligger i berättelse eller moral, utan i formell uppfinning. Det är därför det är missvisat att se Les Demoiselles d'Avignon som en målning "om" bordeller, prostituerade eller kolonialism. "

Källa:
1. Pablo's Punks av Jonathan Jones, Väktaren9 januari 2007.

"Kvinna med gitarr" - Georges Braque

Georges Braque, Kvinna med en gitarr, 1913. Olja och kol på duk. 51 1/4 x 28 3/4 tum (130 x 73 cm). I Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

Den röda studion - Henri Matisse

Denna målning finns i samlingen av Museum of Modern Art (Moma) i New York. Det visar interiören i Matisses målningsstudio med platt perspektiv eller ett enda bildplan. Väggarna i hans ateljé var faktiskt inte röda, de var vita; han använde rött i sin målning för effekt.
I hans ateljé visas olika konstverk och bitar av studiemöbler. Konturerna av möblerna i hans ateljé är linjer i färgen som avslöjar färgen från ett nedre, gult och blått lager, inte målat ovanpå det röda.

1. "Vinklade linjer föreslår djup, och fönstrets blågröna ljus förstärker känslan av inre utrymme, men den röda bredden plattar bilden. Matisse förstärker denna effekt genom att till exempel utelämna den vertikala linjen i hörn av rummet. "
- MoMA Highlights, publicerad av Moma, 2004, sidan 77.

2. "Alla element... sänka sina individuella identiteter i vad som blev en förlängd meditation på konst och liv, rum, tid, uppfattning och själva verklighetens natur... en korsning för västerländsk målning, där den klassiska utåtriktade, till övervägande del representativa konsten från det förflutna mötte framtidens provisoriska, internaliserade och självreferens... ”
- Hilary Spurling,, sid 81.

Dansen - Henri Matisse

Det översta fotot visar Matisses färdiga målning med titeln Dansen, avslutad 1910 och nu i State Hermitage Museum i St Petersburg, Ryssland. Det nedre fotot visar den fullstora kompositionsstudie han gjorde för målningen, nu i MOMA i New York, USA. Matisse målade den på uppdrag av den ryska konstsamlaren Sergei Shchukin.
Det är en enorm målning, nästan fyra meter bred och två och en halv meter lång (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") och är målad med en palett begränsad till tre färger: röd, grönt och blått. Jag tror att det är en målning som visar varför Matisse har ett sådant rykte som en färgist, särskilt när man jämför studien med den slutliga målningen med sina glödande figurer.
I sin biografi om Matisse (på sidan 30) säger Hilary Spurling:

"De som såg den första versionen av Dansa beskrev det som blekt, delikat, till och med drömlikt, målat i färger som höjdes... i den andra versionen till en hård, platt fris av vermilionfigurer som vibrerar mot band av ljusgrönt och himmel. Samtida såg målningen som hednisk och dionysisk. "

Observera det tillplattade perspektivet, hur figurerna är i samma storlek snarare än de längre bort från att vara mindre som skulle uppstå i perspektiv eller förkortning för representativa målningar. Hur linjen mellan det blå och gröna bakom figurerna är böjd och ekar figurcirkeln.

"Ytan färgades till mättnad, till den punkt där blå, idén om absolut blått, definitivt var närvarande. En ljusgrön för jorden och en levande vermilion för kropparna. Med dessa tre färger hade jag min harmoni av ljus och också renhet i tonen. "- Matisse

Källa:
"Introduktion till From Russian-utställningen för lärare och studenter" av Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Berömda målare: Willem de Kooning

Målaren Willem de Kooning föddes i Rotterdam i Nederländerna den 24 augusti 1904 och dog i Long Island, New York, den 19 mars 1997. De Kooning lärde sig kommersiell konst och dekorationsföretag när han var 12 och deltog i kvällskurser på Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques i åtta år. Han emigrerade till USA 1926 och började måla heltid 1936.

De Koonings målningsstil var abstrakt expressionism. Han hade sin första soloutställning i Charles Egan Gallery i New York 1948, med en uppsättning verk i svartvitt emaljfärg. (Han började använda emaljfärg eftersom han inte hade råd med konstnärens pigment.) På 1950-talet erkändes han som en av ledarna för abstrakt expressionism, även om vissa purister av stilen trodde att hans målningar (t.ex. hans Kvinna inkluderade för mycket av den mänskliga formen.

Hans målningar innehåller många lager, element överlappade och gömda när han omarbetade och omarbetade en målning. Ändringar får visas. Han ritade på sina dukar i träkol i stor utsträckning för den ursprungliga kompositionen och medan han målade. Hans penseldrag är gestikulerande, uttrycksfull, vild, med en känsla av energi bakom slag. Den slutliga målningen blick klar men var inte.

De Koonings konstnärliga produktion spände nästan sju decennier och omfattade målningar, skulpturer, teckningar och tryck. Hans sista målningar Källa i slutet av 1980-talet. Hans mest kända målningar är Rosa änglar (c. 1945), Utgrävning (1950) och hans tredje Kvinna serier (1950–53) gjorda i en mer målarfärgad stil och improvisation. På 1940-talet arbetade han samtidigt i abstrakta och representativa stilar. Hans genombrott kom med hans svartvita abstrakta kompositioner 1948–49. I mitten av 1950-talet målade han de urbana abstraktionerna, återvände till figurationen på 1960-talet, sedan till de stora gesturala abstraktionerna på 1970-talet. På 1980-talet förändrades de Kooning till att arbeta på släta ytor och glasade med ljusa, genomskinliga färger över fragment av gestritningar.

American Gothic - Grant Wood

Amerikansk gotisk är förmodligen den mest kända av alla målningar som den amerikanska konstnären Grant Wood någonsin skapat. Det är nu i Art Institute of Chicago.

Grant Wood målade "American Gothic" 1930. Den visar en man och hans dotter (inte hans fru¹) står framför sitt hus. Grant såg byggnaden som inspirerade målningen i Eldon, Iowa. Den arkitektoniska stilen är amerikansk gotisk, det är där målningen får sin titel. Modellerna för målningen var Woods syster och deras tandläkare.². Målningen är signerad nära den nedre kanten, på mannens overall, med konstnärens namn och året (Grant Wood 1930).

Vad betyder målningen? Wood avsåg att det skulle vara en värdig återgivning av karaktären av Midwestern-amerikaner som visar deras puritanska etik. Men det kan ses som en kommentar (satir) om landsbygdens intolerans mot utomstående. Symboliken i målningen inkluderar hårt arbete (högaffeln) och tamhet (blomkrukor och kolonialtrycksförkläde). Om du tittar noga ser du de tre gafflarna i högaffeln ekade i sömmarna på mannens overaller och fortsatte upp ränderna på skjortan.

^{Källa:
Amerikansk gotisk, Art Institute of Chicago, hämtad 23 mars 2011.}

"Kristus av Johannes av korset" - Salvador Dali

Denna målning av Salvador Dali är i samlingen av Kelvingrove konstgalleri och museum i Glasgow, Skottland. Det visades först på galleriet den 23 juni 1952. Målningen köptes för 8 200 £, vilket betraktades som ett högt pris även om det inkluderade upphovsrätten som har gjort det möjligt för galleriet att tjäna reproduktionsavgifter (och sälja otaliga vykort!).
Det var ovanligt för Dali att sälja upphovsrätten till en målning, men han behövde pengarna. (Upphovsrätten förblir hos konstnären om den inte är signerad, se Vanliga frågor om konstnärens upphovsrätt.)

"Tydligen i ekonomiska svårigheter bad Dali initialt om 12 000 pund men efter några hårda förhandlingar... han sålde den för nästan en tredjedel mindre och undertecknade ett brev till staden [Glasgow] 1952 och avstod upphovsrätten.

Målningens titel är en referens till ritningen som inspirerade Dali. Penn- och bläckteckningen gjordes efter en vision som helgen Johannes av korset (en spansk karmeliter, 1542–1591) hade där han såg Kristi korsfästelse som om han tittade på den uppifrån. Kompositionen är slående för sin ovanliga syn på Kristi korsfästelse, belysningen är dramatisk och stark skuggor, och stor användning av förkortning i figuren. Landskapet längst ner på målningen är hamnen i Dalis hemstad, Port Lligat i Spanien.
Målningen har varit kontroversiell på många sätt: det belopp som betalades för den; ämnet stilen (som verkade retro snarare än modern). Läs mer om målningen på galleriets webbplats.

Källa:
"Surrealistiskt fall av Dali-bilderna och en strid om konstnärlig licens"av Severin Carrell, Väktaren27 januari 2009

Campbells soppburkar - Andy Warhol

Detalj från Andy Warhol Campbells soppburkar. Akryl på duk. 32 målningar vardera 20x16 "(50,8x40,6cm). I samlingen av Museum of Modern Art (MoMA) i New York.
Warhol ställde först ut sin serie av Campbells soppburkmålningar 1962, med botten av varje målning vilande på en hylla som en burk skulle göra i en stormarknad. Det finns 32 målningar i serien, antalet soppvaror som såldes vid den tiden av Campbell's.
Om du hade föreställt dig att Warhol skulle fylla på sitt skafferi med burkar soppa och sedan äta en burk när han hade målat, det verkar inte. Enligt Momas hemsida använde Warhol en produktlista från Campbell för att tilldela varje målning en annan smak.
På frågan om det sa Warhol:

"Jag brukade dricka det. Jag brukade äta samma lunch varje dag, i tjugo år, antar jag, samma sak om och om igen. "¹

Warhol hade uppenbarligen inte heller en order som han ville att målningarna skulle visas i. Moma visar målningarna "i rader som återspeglar den kronologiska ordning i vilken [sopporna] introducerades, med början med" Tomat "uppe till vänster, som debuterade 1897."

Så om du målar en serie och vill att de ska visas i en viss ordning, se till att du antecknar detta någonstans. Dukarnas bakkant är förmodligen bäst eftersom den inte skiljs från målningen (även om den kan döljas om målningarna är inramade).
Warhol är en konstnär som ofta nämns av målare som vill göra härledda verk. Två saker är värda att notera innan du gör liknande saker:

1. På Momas webbplats, det finns en indikation på en licens från Campbell's Soup Co (dvs. ett licensavtal mellan soppföretaget och konstnärens gods).
2. Upprätthållande av upphovsrätt verkar ha varit mindre problem i Warhols tid. Gör inte antaganden om upphovsrätt baserat på Warhols arbete. Gör din forskning och bestäm din nivå av oro över ett eventuellt fall av upphovsrättsintrång.

Campbell beställde inte Warhol att göra målningarna (även om de senare beställde en för en avgående styrelseordförande 1964) och hade oro när varumärket dök upp i Warhols målningar 1962 och antog en vänta-och-se-metod för att bedöma hur svaret var på målningar. 2004, 2006 och 2012 sålde Campbells burkar med speciella Warhol-minnesmärken.

<sub>Källa:
1. Som citerat på Moma, nås den 31 augusti 2012.</sub>

Större träd nära Warter - David Hockney

Topp: Konstnären David Hockney står bredvid en del av sin oljemålning "Bigger Trees Near Warter", som han donerade till Tate Britain i april 2008.
Botten: Målningen ställdes först ut på sommarutställningen 2007 på Royal Academy i London och tog upp hela väggen.
David Hockneys oljemålning "Bigger Trees Near Warter" (även kallad Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) skildrar en scen nära Bridlington i Yorkshire. Målningen gjord av 50 dukar ordnade bredvid varandra. Tillsammans är målningens totala storlek 4,6x12 meter (40x15 fot).
När Hockney målade det var det det största stycket han någonsin hade slutfört, men inte det första han skapade med flera dukar.

" Jag gjorde det för att jag insåg att jag kunde göra det utan en stege. När du målar måste du kunna gå tillbaka. Det finns konstnärer som har dödats som går tillbaka från stegar, eller hur?"
- Hockney citerade i a Reuter nyhetsrapport, 7 april 2008.

Hockney använde ritningar och en dator för att hjälpa till med kompositionen och målningen. Efter att en sektion hade slutförts togs ett foto så att han kunde se hela målningen på datorn.

"Först skissade Hockney ett rutnät som visar hur scenen skulle passa ihop över 50 paneler. Sedan började han arbeta med enskilda paneler in situ. När han arbetade med dem fotograferades de och gjordes till en datormosaik så att han kunde kartlägga sina framsteg, eftersom han bara kunde ha sex paneler på väggen åt gången. "

Källa:
Charlotte Higgins, väktare konstkorrespondent, Hockney donerar enormt arbete till Tate7 april 2008.

Henry Moores krigsmålningar

De Henry Moore-utställningen på Tate Britain Gallery i London sprang från 24 februari till 8 augusti 2010.

Den brittiska konstnären Henry Moore är mest känd för sina skulpturer, men också känd för sitt bläck, vax och akvarellmålningar av människor som skyddar sig i Londons tunnelbanestationer under andra världskriget. Moore var en officiell krigskonstnär och 2010 Henry Moore-utställningen på Tate Britain Gallery har ett rum som ägnas åt dessa. Gjord mellan hösten 1940 och sommaren 1941, skildrade hans skildringar av sovande figurer i tåget tunnlar fångade en känsla av ångest som förvandlade hans rykte och påverkade den populära uppfattningen av Blitz. Hans arbete på 1950-talet speglade efterdyningarna av krig och utsikterna till ytterligare konflikter.
Moore föddes i Yorkshire och studerade vid Leeds School of Art 1919, efter att ha tjänstgjort i första världskriget. År 1921 vann han ett stipendium till Royal College i London. Senare undervisade han vid Royal College samt i Chelsea School of Art. Från 1940 bodde Moore på Perry Green i Hertfordshire, nu hem till Henry Moore Foundation. Vid Venedigbiennalen 1948 vann Moore International Sculpture Award.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" av Chuck Close, 1969. Akryl på duk. Storlek 108 x 84 x 3 tum (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). I Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud självporträtt och fotoporträtt

Konstnären Lucian Freud är känd för sin intensiva, oförlåtliga blick men som detta självporträtt visar, vänder han det på sig själv, inte bara på sina modeller.

1. "Jag tror att ett fantastiskt porträtt har att göra med... känslan och individualiteten och intensiteten i betraktelsen och fokus på det specifika. " ¹
2. "... du måste försöka måla dig själv som en annan person. Med självporträtt blir likhet en annan sak. Jag måste göra det jag känner utan att vara expressionist. " ²

<sup>Källa:
1. Lucian Freud, citerad i Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citerad i Lucian Freud av William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s 43.</sup>

"Fadern till Mona Lisa" - Man Ray

"The Father Of Mona Lisa" av Man Ray, 1967. Reproduktion av ritning monterad på fiberplatta med tillagd cigarr. Storlek 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tum (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). I samlingen av Hirshorn Museum.
Många förknippar Man Ray bara med fotografi, men han var också konstnär och målare. Han var vän med konstnären Marcel Duchamp och arbetade i samarbete med honom.
I maj 1999 Konstnyheter tidningen inkluderade Man Ray i sin lista över de 20 mest inflytelserika artisterna från 1900-talet, för hans fotografi och "utforskningar av film, målning, skulptur, collage, montage. Dessa prototyper skulle så småningom kallas performance art och conceptual art. "

Art News sa:

"Man Ray erbjöd artister i alla medier ett exempel på kreativ intelligens som i sin" strävan efter nöje och frihet "[Man Rays uttalade vägledning principer] låste upp varje dörr den kom till och gick fritt där den skulle. "(Citat Källa: Art News, maj 1999," Willful Provocateur "av AD Coleman.)

Denna bit, "The Father of Mona Lisa", visar hur en relativt enkel idé kan vara effektiv. Den svåra delen kommer med tanken i första hand; ibland kommer de som en glimt av inspiration; ibland som en del av idédugnad; ibland genom att utveckla och driva ett koncept eller tanke.

Berömda målare: Yves Klein

Retrospektiv: Yves Klein-utställning på Hirshhorn Museum i Washington, USA, från 20 maj 2010 till 12 september 2010.

Konstnären Yves Klein är förmodligen mest känd för sina monokromatiska konstverk med sin speciella blått (se till exempel "Levande pensel"). IKB eller International Klein Blue är en ultramarinblå han formulerade.

Klein kallade sig "rymdmålaren" och försökte uppnå immateriell andlighet genom ren färg "och ägde sig åt" samtida uppfattningar om konstens konceptuella natur ".¹.

Klein hade en relativt kort karriär, mindre än tio år. Hans första offentliga verk var en konstnärsbok Yves Peintures ("Yves Paintings"), publicerad 1954. Hans första offentliga utställning var 1955. Han dog av en hjärtinfarkt 1962, 34 år gammal. (Tidslinje för Kleins liv från Yves Klein-arkiv.)

<sub>Källa:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, nås 13 maj 2010.</sub>

"Levande pensel" - Yves Klein

Denna målning av den franska konstnären Yves Klein (1928-1962) är en av de serier han använde "levande penslar." Han täckte nakna kvinnomodeller med sin signaturblå färg (International Klein Blue, IKB) och sedan i en performance-konst framför publiken "målade" med dem på stora pappersark genom att rikta dem muntligt.
Titeln "ANT154" härrör från en kommentar från en konstkritiker, Pierre Restany, som beskriver målningar producerade som "antropometrier från den blå perioden." Klein använde akronymen ANT som en serie titel.

Svart målning - Ad Reinhardt

"Det är något fel, oansvarigt och tanklöst med färg; något omöjligt att kontrollera. Kontroll och rationalitet är en del av min moral. " - Ad Reinhard 1960 ¹

Denna monokroma målning av den amerikanska konstnären Ad Reinhardt (1913-1967) finns i Museum of Modern Art (Moma) i New York. Det är 60x60 "(152,4x152,4cm), olja på duk, och målades 1960-61. Under det senaste decenniet och en bit av sitt liv (han dog 1967) använde Reinhardt bara svart i sina målningar.
Amy Sia, som tog fotot, säger att vaktmästaren pekar på hur målningen delas upp i nio rutor, var och en i olika nyanser av svart.
Oroa dig inte om du inte kan se det på bilden. Det är svårt att se även när du står framför målningen. I henne uppsats om Reinhardt för Guggenheim beskriver Nancy Spector Reinhardts dukar som "dämpade svarta rutor som innehåller knappt urskiljbara korsformar [som] utmanar gränserna för synlighet" ².
<sup>Källa:
1. Färg i konst av John Gage, p205
2. Reinhardt av Nancy Spector, Guggenheim Museum (Åtkomst 5 augusti 2013)</sup>

John Virtue's London Painting

Den brittiska konstnären John Virtue har målat abstrakta landskap med bara svartvitt sedan 1978. På en DVD som producerats av London National Gallery säger Virtue att arbeta i svartvitt tvingar honom "att vara uppfinningsrik... att återuppfinna." Eschewing färg "fördjupas min känsla av vilken färg det finns... Känslan av vad jag faktiskt ser... är bäst och mer exakt och mer förmedlad genom att inte ha en palett med olja måla. Färgen skulle vara en återvändsgränd. "
Detta är en av John Virtues London-målningar, gjord medan han var associerad konstnär vid National Gallery (från 2003 till 2005). De Nationalgalleriets webbplats beskriver Virtues målningar som "affiniteter med orientalisk penselmålning och amerikansk abstrakt expressionism" och relaterar nära till "den stora engelska landskapsmålare, Turner och Constable, som Virtue beundrar oerhört "samt påverkas av de" holländska och flamländska landskapen Ruisdael, Koninck och Rubens ".
Virtue ger inte titlar på hans målningar, bara siffror. I en intervju i april 2005 av Konstnärer och illustratörer tidningen säger Virtue att han började numrera sitt arbete kronologiskt redan 1978 när han började arbeta i svartvitt:

"Det finns ingen hierarki. Det spelar ingen roll om det är 28 fot eller tre tum. Det är en icke-verbal dagbok om min existens. "

Hans målningar kallas bara "Landskap nr 45" eller "Landskap nr 630" och så vidare.

The Art Bin - Michael Landy

Art Bin-utställningen av konstnären Michael Landy ägde rum på South London Gallery från 29 januari till 14 mars 2010. Konceptet är enormt (600m³) soptunna inbyggd i galleriets utrymme där konst kastas, "ett monument till kreativt misslyckande"¹.
Men inte bara någon gammal konst; du var tvungen att ansöka om att kasta din konst i soptunnan, antingen online eller på galleriet, med Michael Landy eller en av hans representanter som bestämde sig för om den kunde inkluderas eller inte. Om det accepterades kastades det i soptunnan från ett torn i ena änden.

När jag var på utställningen kastades flera bitar in och personen som kastade hade haft mycket övning från hur han kunde få en målning att glida direkt till andra sidan behållare.
Konsttolkningen går ner för när / varför konst betraktas som bra (eller skräp), subjektiviteten i värde som tillskrivs konst, konstsamling, konstsamlarers och galleriers makt att skapa eller bryta konstnärens karriärer.

Det var verkligen intressant att gå längs sidorna och titta på vad som hade kastats in, vad som hade gått sönder (massor av polystyrenbitar) och vad som inte hade gjort (de flesta målningar på duk var hela). Någonstans längst ner fanns det ett stort skalmtryck dekorerat med glas av Damien Hirst och ett stycke av Tracey Emin. I slutändan skulle vad som skulle kunna återvinnas (till exempel pappers- och duksträckare) och resten vara avsedda att deponera. Begravd som skräp, det är osannolikt att det ska grävas upp i århundraden framöver av en arkeolog.

_{Källa:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), South London Gallery-webbplats, öppnad 13 mars 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Denna målning av den amerikanska politikern Barack Obama, blandat stencilerat collage, skapades av Los Angeles-baserade gatukonstnär, Shepard Fairey. Det var den centrala porträttbilden som användes i Obamas presidentvalskampanj 2008, och distribuerades som en begränsad upplaga och gratis nedladdning. Det finns nu i National Portrait Gallery i Washington DC.

1. "För att skapa sin Obama-affisch (vilket han gjorde på mindre än en vecka) tog Fairey ett nyhetsfoto av kandidaten från Internet. Han sökte en Obama som såg president ut... Konstnären förenklar sedan linjerna och geometrin med en röd, vit och blå patriotisk palett (som han leker med genom att göra den vita till beige och den blå en pastellfärg)... djärva ord ...
2. "Hans Obama-affischer (och massor av hans kommersiella och konstverk) är omarbetningar av teknikerna för revolutionära propagandister - de ljusa färgerna, djärva bokstäver, geometrisk enkelhet, heroiska poser. "

Källa: ​
"Obamas påteckning på väggen" av William Booth, Washington Post 18 maj 2008.

"Requiem, vita rosor och fjärilar" - Damien Hirst

Den brittiska konstnären Damien Hirst är mest känd för sina djur som bevarats i formaldehyd, men återvände i början av 40-talet till oljemålning. I oktober 2009 ställde han ut målningar skapade mellan 2006 och 2008 för första gången i London. Detta ett exempel på en ännu inte berömd målning av en berömd konstnär kommer från hans utställning på Wallace Collection i London med titeln "No Love Lost." (Datum: 12 oktober 2009 till 24 januari 2010.)
BBC Nyheter citerade Hirst.

"Han målar nu enbart för hand", att i två år var hans "målningar pinsamma och jag ville inte någon att komma in. "och att han" fick lära sig att måla för första gången sedan han var tonårskonst studerande."¹

I pressmeddelandet som medföljer Wallace-utställningen sägs:

"" Blå målningar "vittnar om en djärv ny riktning i hans arbete; en serie målningar som enligt konstnärens ord är 'djupt kopplade till det förflutna'. "

Att sätta färg på duk är verkligen en ny riktning för Hirst och där Hirst går kommer konststudenter sannolikt att följa. Oljemålning kan bli trendig igen.
About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, gick till pressförhandsgranskningen av Hirsts utställning och fick svar på den ena frågan som jag var intresserad av att veta: Vilka blå pigment använde han?

Laura fick höra att det var "Preussen blå för alla utom en av de 25 målningarna, som är svarta. "Inte konstigt att det är så mörkt, glödande blått!
Konstkritiker Adrian Searle från Väktaren var inte särskilt gynnsam om Hirsts målningar:

"I värsta fall ser Hirsts teckning bara amatörmässig och ungdomlig ut. Hans penseldrag saknar den känsla och panache som får dig att tro på målarens lögner. Han kan ännu inte göra det. "²

<sub>Källa:
1 Hirst 'ger upp inlagda djur', BBC News, 1 oktober 2009
2. "Damien Hirsts målningar är dödliga tråkiga, "Adrian Searle, väktare14 oktober 2009.</sub>

Kända artister: Antony Gormley

Antony Gormley är en brittisk konstnär som kanske är mest känd för sin skulptur Angel of the North, som presenterades 1998. Den står i Tyneside, nordöstra England, på en plats som en gång var en colliery och välkomnar dig med sina 54 meter breda vingar.
I juli 2009 såg Gormleys installationskonst på fjärde sockeln på Trafalgar Square i London en volontär stå en timme på sockeln, 24 timmar om dygnet, i 100 dagar. Till skillnad från de andra socklarna på Trafalgar Square, den fjärde sockeln direkt utanför Nationalgalleriet, har ingen permanent staty på den. Några av deltagarna var konstnärer själva och skissade sin ovanliga synvinkel (foto).
Antony Gormley föddes 1950 i London. Han studerade vid olika högskolor i Storbritannien och buddhismen till Indien och Sri Lanka, innan han fokuserade på skulptur vid Slade School of Art i London mellan 1977 och 1979. Hans första separatutställning var på Whitechapel Art Gallery 1981. 1994 vann Gormley Turnerpriset med sitt "Field for the British Isles".
Hans biografi om hans hemsida säger:

... Antony Gormley har återupplivat den mänskliga bilden i skulpturen genom en radikal undersökning av kroppen som en plats för minne och transformation med sin egen kropp som subjekt, verktyg och material. Sedan 1990 har han utökat sin oro över det mänskliga tillståndet för att utforska den kollektiva kroppen och förhållandet mellan jag och andra i storskaliga installationer ...

Gormley skapar inte den typ av figur som han gör för att han inte kan göra statyer i traditionell stil. Snarare gläder han sig åt skillnaden och förmågan de ger oss att tolka dem. I en intervju med Tiderna¹, han sa:

"Traditionella statyer handlar inte om potential, utan om något som redan är komplett. De har en moralisk auktoritet som är förtryckande snarare än samarbete. Mina verk erkänner deras tomhet. "

^{Källa:
Antony Gormley, mannen som bröt formen av John-Paul Flintoff, The Times, 2 mars 2008.}

Berömda samtida brittiska målare

Från vänster till höger, artisterna Bob och Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeoch Alison Watt.
Tillfället var en visning av målningen Diana och Actaeon av Titian (osedd, till vänster) vid National Gallery i London, i syfte att samla in pengar för att köpa målningen till galleriet.

Kända artister: Lee Krasner och Jackson Pollock

Av dessa två målare, Jackson Pollock är mer känd än Lee Krasner, men utan hennes stöd och marknadsföring av hans konstverk kanske han inte har platsen i den konsttidslinje han gör. Båda målade i en abstrakt expressionistisk stil. Krasner kämpade för kritik i sig själv snarare än att bara betraktas som Pollocks fru. Krasner lämnade ett arv för att upprätta Pollock-Krasner Foundation, som ger bidrag till bildkonstnärer.

Ladder Staffli av Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873--1948) var en amerikansk konstnär i Paris känd för sina landskapsmålningar. Han tränade initialt under sin konstnärsfar, Daniel Ridgway Knight. Han ställde ut på den franska salongen för första gången 1894 och fortsatte att göra det under hela sitt liv samtidigt som han fick hyllningar i Amerika. Hans målning Efterglödet köptes 1922 av USA: s president Warren Harding för Vita huset.
Detta foto från Arkiv för amerikansk konsttyvärr ger oss inte en plats, men du måste tro att alla artister som är villiga att vada in vattnet med sin staffelstege och färger var antingen mycket dedikerat till att observera naturen eller helt showman.

1897: En konstklass för kvinnor

Detta foto från 1897 från Arkiv för amerikansk konst visar en kvinnakonstklass med instruktör William Merritt Chase. Under den tiden deltog män och kvinnor i konstklasser separat, där kvinnor på grund av tiderna hade turen att alls kunna få konstutbildning.

Art Summer School c.1900

Konststudenter vid St Paul School of Fine Arts sommarkurser, Mendota, Minnesota, fotograferades år 1900 med läraren Burt Harwood.
Förutom mode är stora solhattar mycket praktiska för måla utomhus eftersom det håller solen ur ögonen och hindrar ansiktet att bli solbränt (liksom en långärmad topp).

"Nelson's Ship in a Bottle" - Yinka Shonibar

Ibland är det ett konstverk som ger det dramatiska effekter, mycket mer än motivet. "Nelson's Ship in a Bottle" av Yinka Shonibar är en sådan bit.

"Nelson's Ship in a Bottle" av Yinka Shonibar är ett skepp på 2,35 meter långt inne i en ännu högre flaska. Det är en replik av skala 1:29 av vice admiral Nelsons flaggskepp, HMS Seger.
"Nelson's Ship in a Bottle" dök upp på fjärde sockeln på Trafalgar Square i London den 24 maj 2010. Den fjärde sockeln stod tom från 1841 till 1999, då den första av en pågående serie av samtida konstverk, beställd speciellt för sockeln av Fjärde sockeluppdragsgruppen.
Konstverket före "Nelson's Ship in a Bottle" var One & Other av Antony Gormley, där en annan person stod på sockeln i en timme, dygnet runt, i 100 dagar.
Från 2005 till 2007 kunde du se en skulptur av Marc Quinn, Alison Lapper gravid, och från november 2007 var det modell för ett hotell 2007 av Thomas Schutte.
Batikdesignerna på "Nelson's Ship in a Bottle" seglades av konstnären på duk, inspirerad av tyg från Afrika och dess historia. Flaskan är 5x2,8 meter, gjord av perspex inte glas, och flasköppningen är tillräckligt stor för att klättra inuti för att konstruera skeppet.